Sarajevo/Budapest. Das Sarajevo Film Festival richtet ein dauerhaftes Erinnerungsprogramm für den ungarischen Regisseur Béla Tarr ein, der im Januar dieses Jahres im Alter von 70 Jahren gestorben ist. Unter dem Titel „Bela Tarr in Sarajevo“ zeigt das Festival Arbeiten von Absolventen der Film Factory, jener internationalen Filmwerkstatt, die Tarr 2013 in der bosnischen Hauptstadt gründete und bis 2017 leitete. Jahr für Jahr soll ein anderer Jahrgang im Mittelpunkt stehen, um sichtbar zu machen, wie sich die filmische Handschrift seiner Schüler seit der Ausbildung entwickelt hat.

Es ist die passendste Form des Gedenkens, weil Tarr seinen Abgang selbst so gestaltet hat. Nach „Das Turiner Pferd“ erklärte er 2011, er habe als Regisseur alles gesagt, was er zu sagen hatte, und drehte tatsächlich keinen weiteren Spielfilm mehr; die verbleibenden Jahre gehörten dem Unterrichten, erst in Sarajevo, später in Wien.

Was er hinterlässt, ist ein Werk, das die Grammatik des europäischen Autorenkinos verschoben hat: die endlosen Plansequenzen, das Schwarzweiß, die Geduld als ästhetisches Prinzip. „Sátántangó“, sieben Stunden über den Verfall einer Kolchose, gilt vielen als Schlüsselwerk der neunziger Jahre, „Die Werckmeisterschen Harmonien“ als seine dichteste Arbeit. Mit dem Schriftsteller László Krasznahorkai, der Cutterin Ágnes Hranitzky und dem Komponisten Mihály Víg entstand über Jahrzehnte ein Kosmos aus Regen, Schlamm und moralischer Erschöpfung - Ungarn nach dem Sozialismus, ohne ein einziges erklärendes Wort.

Quelle: MTI.hu
Photo: Hungarian film director Béla Tarr (Soppakanuuna / Wikipedia)

Budapest. Das neue Werk von Ildikó Enyedi hat die 45. Ungarische Filmwoche dominiert. Silent Friend wurde am Sonntagabend in Budapest als bester Film des Festivals ausgezeichnet und erhielt zusätzlich die Preise für beste Kamera und besten Schnitt. Dies teilten die Veranstalter zum Abschluss der Filmwoche mit.

Neben dem Hauptpreis ging auch der Produzentenpreis an Silent Friend: Mónika Mécs wurde für ihre Arbeit an Enyedís Film sowie an Jimmy Jaguar von Bence Fliegauf geehrt. Der Kamerapreis unterstrich einmal mehr die visuelle Handschrift des Films, während der Lifetime Achievement Award an den renommierten Kameramann János Kende ging.

Die 45. Ungarische Filmwoche fand vom 5. bis 8. Februar in Budapest statt, zog rund 20.000 Besucher an und präsentierte nahezu 300 Filme. Das Festival bestätigte damit erneut seine Rolle als zentrale Leistungsschau des ungarischen Films - zwischen etablierter Autorenhandschrift und aufstrebenden Stimmen.

Website der Ungarischen Filmwochen

Quellen: mfszemle.hu, MTI.hu, Wikipedia, IMDB
Photos: IMDB, Wikipedia

Budapest. Béla Tarr, einer der international einflussreichsten ungarischen Filmregisseure der Nachkriegszeit, ist tot. Die staatliche Nachrichtenagentur MTI meldete seinen Tod unter Berufung auf eine Erklärung, die Regisseur Bence Fliegauf im Namen der Familie veröffentlichte. Tarr sei am frühen Morgen nach langer und schwerer Krankheit gestorben. Das Nachrichtenportal Telex zitierte aus der Mitteilung: „Mit tiefer Trauer geben wir bekannt, dass der Filmregisseur Béla Tarr heute früh verstorben ist.„

Geboren wurde Béla Tarr 1955 in Pécs, der südungarischen Universitätsstadt. Seine filmische Laufbahn begann früh und außerhalb institutioneller Strukturen: Mit 16 Jahren drehte er erste Filme mit einer Kamera, die ihm sein Vater geschenkt hatte. Der Weg führte ihn bald in das Béla-Balázs-Studio, Ungarns wichtigste experimentelle Filmwerkstatt. Dort realisierte er 1977 mit Family Nest seinen ersten Spielfilm - ein Werk, das bereits soziale Enge und strukturelle Ausweglosigkeit thematisierte, Motive, die sein gesamtes Schaffen prägen sollten.

Sozialer Realismus und existenzielle Parabel

Internationale Aufmerksamkeit erlangte Tarr spätestens mit Damnation, dem ersten ungarischen Spielfilm, der 1988 bei den Internationalen Filmfestspielen Berlin gezeigt wurde. Der Film markierte auch den Beginn der engen Zusammenarbeit mit dem Schriftsteller László Krasznahorkai, der viele Drehbücher Tarrs mitverfasste und 2025 mit dem Literaturnobelpreis ausgezeichnet wurde.

Der gemeinsame ästhetische und weltanschauliche Kosmos fand seinen radikalsten Ausdruck in Satantango von 1994. Das siebenstündige Schwarzweiß-Epos, basierend auf Krasznahorkais gleichnamigem Roman, gilt als Tarrs bekanntestes Werk. In langen Einstellungen und minimaler Dramaturgie entwirft der Film ein düsteres Panorama des postkommunistischen Osteuropas, geprägt von moralischem Verfall, materieller Leere und metaphysischer Hoffnungslosigkeit. Der Film wurde zur Referenz für eine ganze Generation internationaler Autorenfilmer.

Mit The Turin Horse in 2011 schloss Tarr sein Spielfilmwerk ab. Der Film, inspiriert von einer Anekdote aus dem Leben Friedrich Nietzsches, wurde vielfach als endgültiger Abschied von der Möglichkeit narrativer Erlösung gelesen. Nach der Premiere erklärte Tarr seinen Rückzug vom Spielfilm.

„Ich hatte alles gemacht, was ich wollte“

sagte er 2019 in einem Interview mit der ungarischen Wochenzeitung HVG.

Lehrmeister und Ikone

In den Jahren nach seinem Rückzug drehte er noch zwei Kurzfilme, 2017 und 2019. Vor allem aber widmete er sich der Ausbildung junger Filmemacher. Er lehrte an Filmhochschulen in Ungarn, Deutschland und Frankreich und verstand sich dabei weniger als Ikone denn als Handwerker des Kinos.

Béla Tarr hinterlässt ein Werk, das sich konsequent dem Markt, der Beschleunigung und dem gefälligen Erzählen verweigerte. Seine Filme verlangen Geduld, körperliche Aufmerksamkeit und intellektuelle Zumutung - Eigenschaften, die im zeitgenössischen Kino selten geworden sind.

Quellen: MTI, Telex, HVG
Photo: Hungarian film director Béla Tarr (Soppakanuuna / Wikipedia)

Das Festival gilt als eine der wichtigsten jungen Plattformen für unabhängige Filmkunst in Ungarn. Es versteht sich ausdrücklich als politisch unabhängiges Projekt, das filmische Stimmen aus aller Welt zusammenbringt und jenen Filmen Sichtbarkeit verschafft, die auf den großen Märkten oft untergehen.

Vier Sektionen, eine Idee: Vielfalt und Mut

Das Programm gliedert sich in vier Sektionen:

• Budapest Bloom - der offizielle Wettbewerb, in dem neue filmische Stimmen vorgestellt werden. Hier konkurrieren Spiel-, Dokumentar- und Animationsfilme um den Hauptpreis Best Film Award sowie den Preis für Outstanding Artistic Contribution, mit dem Einzelleistungen in Kamera, Schnitt, Musik oder Schauspiel gewürdigt werden.
• Echoes - präsentiert international gefeierte Festivalfilme des Jahres. In dieser Sektion wird auch der Hungarian Critics Award vergeben.
• Anzix - eine Auswahl experimenteller Arbeiten, die die Grenzen des Mediums erweitern und neue filmische Sprachen erproben.
• Homeward Bound - die diesjährige Retrospektive, die sich dem Thema „Heimat“ widmet: den Spannungsfeldern zwischen Zugehörigkeit, Erinnerung und Entfremdung, zwischen Zuflucht und Verlust.

Zusätzlich vergibt das Publikum den Audience Award für den beliebtesten Film aus den Hauptsektionen.

Zwischen Corvin Mozi und versteckten Orten

Hauptspielstätte bleibt das Corvin Cinema, eines der ältesten Kinos der Stadt, doch die Festivalmacher setzen bewusst auf Bewegung: Einige Vorführungen finden an „versteckten Orten“ in Budapest statt - kleine Ateliers, Innenhöfe oder leerstehende Fabrikhallen werden für wenige Tage zu temporären Kinos. So entsteht ein Festival, das nicht nur Filme zeigt, sondern den urbanen Raum als Bühne begreift.

Begleitend sind Masterclasses, Ausstellungen und Diskussionen geplant, die Begegnungen zwischen Filmschaffenden, Studierenden und Publikum fördern. Die Filme werden in Originalsprache gezeigt, mit ungarischen oder englischen Untertiteln.

Unabhängigkeit als Programm

Das BIFF wurde 2024 von einer Gruppe ungarischer Filmschaffender gegründet, die sich eine Plattform jenseits der staatlich kontrollierten Filmförderung wünschten. Bereits in seiner ersten Ausgabe hatte das Festival angekündigt, einen unabhängigen Förderfonds für ungarische Filmprojekte einzurichten - ein Signal an eine Branche, die zunehmend von politischen und institutionellen Vorgaben geprägt ist.

Offiziell versteht sich das Festival als

„proudly independent from the current political regime“.

Diese Unabhängigkeit spiegelt sich auch in der Auswahl wider: Keine ideologische Linie, sondern der Mut zum Risiko, zur Vielfalt und zum filmischen Experiment.

Junger Auftritt, wachsender Einfluss

Trotz seiner kurzen Geschichte hat sich das BIFF rasch etabliert. Internationale Medien wie ScreenDaily und FilmNewEurope verweisen auf seine „youthful, forward-thinking energy“ und auf die ungewöhnliche Verbindung von Filmkunst, urbaner Kultur und gesellschaftlicher Debatte. Das Festival zieht ein junges, internationales Publikum an - Studierende, Cineasten, Filmschaffende und zunehmend auch Produzenten, die Budapest als kreativen Knotenpunkt entdecken.

Für die ungarische Kulturszene ist das BIFF mehr als nur ein Festival. Es steht für eine Generation, die Film wieder als soziale und ästhetische Ausdrucksform begreift - abseits von Zuschüssen, Punktesystemen und nationalen Narrativen.

• Zeitraum: 25. Oktober - 2. November 2025
• Ort: Corvin Cinema und weitere Veranstaltungsorte in Budapest
• Sprache: Originalfassung mit ungarischen oder englischen Untertiteln
• Mehr Informationen: vollständiges Programm unter www.biff.hu

Quellen: BIFF, ScreenDaily, FilmNewEurope, Daily News Hungary, Letterboxd
Photo: Corvin Cinema Von Globetrotter19 / Wikimedia Commons

Geboren 1937 in Budapest, überlebte Judit Elek als Kind das Ghetto. Sie studierte von 1956 bis 1961 an der Hochschule für Theater- und Filmkunst in Budapest, unter anderem gemeinsam mit István Szabó und Zsolt Kézdi-Kovács, ihrem späteren Ehemann. Bereits in den 60er-Jahren zählte sie zu den Gründungsmitgliedern des Balázs Béla Studios, einer Werkstatt für unabhängige Filmkunst.

Elek debütierte 1969 mit Sziget a szárazföldön (Die Dame von Konstantinopel), einer lakonischen Tragikomödie über das Leben einer älteren Frau in einem sich rasch verändernden Budapest. Der Film wurde 2023 in Cannes in einer restaurierten Fassung erneut gezeigt. Internationales Aufsehen erregte sie 1984 mit Mária-nap (Mariä Namenstag), der im Rahmen von Un Certain Regard in Cannes lief. In den 90er-Jahren wandte sie sich zunehmend jüdischen Themen zu, etwa mit Tutajosok (Memories of a River, 1990), der sich mit einem historischen Ritualmordprozess auseinandersetzt, oder To Speak the Unspeakable: The Message of Elie Wiesel (1996).

Ihr Werk bewegt sich häufig an den Schnittstellen von Erinnerung, Identität und gesellschaftlicher Verdrängung. In Vizsgálat Martinovics Ignác szászvári apát és társainak ügyében (Der Prozess gegen Martinovics und die ungarischen Jakobiner, 1980) setzte sie sich mit revolutionären Bewegungen des späten 18. Jahrhunderts auseinander. Ihr letzter Langfilm erschien 2006 unter dem Titel A hét nyolcadik napja (Der achte Tag der Woche).

Eine Auswahl ihrer wichtigsten Filme:

• Sziget a szárazföldön (The Lady from Constantinople, 1969)
• Vizsgálat Martinovics Ignác… (The Trial of Martinovics and the Hungarian Jacobins, 1980)
• Mária-nap (Maria’s Day, 1984)
• Tutajosok (Memories of a River, 1990)
• Ébredés (Awakening, 1995)
• To Speak the Unspeakable (1996)
• A hét nyolcadik napja (The Eighth Day of the Week, 2006)

Elek wurde im Laufe ihrer Karriere mehrfach ausgezeichnet, unter anderem mit dem Béla-Balázs-Preis (1987), dem Preis der Filmkritik (2007) sowie internationalen Auszeichnungen in Locarno, Venedig, Salerno und Montreal. 2024 erhielt sie den Ehrenpreis des Ungarischen Filmfestivals.

Quellen: MTI.hu, Wikipedia
Photo: Wikicommons, Vera de Kok

Ungarn und Deutschland verbindet eine komplexe, von politischen Umbrüchen und persönlichen Tragödien geprägte Geschichte. Der ungarische Regisseur László Nemes, bekannt durch seinen oscarprämierten Holocaust-Film „Son of Saul“ (Saul fia, 2015), widmet sich in seinem neuesten Film nun einem anderen wichtigen Kapitel der ungarischen Vergangenheit: den Folgen der gescheiterten Revolution von 1956.

Sein jüngstes Werk, „Orphan“ („Árva“) spielt 1957 in Budapest, im bedrückenden Jahr nach der gescheiterten Revolution. Wo zuvor der Wunsch nach Freiheit laut wurde, herrscht nun eine Atmosphäre aus Angst, Trauer und Unterdrückung. Nemes erzählt die Geschichte eines jungen jüdischen Jungen, der nach dem Tod seiner Mutter nach Antworten sucht und dabei auf Geheimnisse stößt, die seine Identität ebenso erschüttern wie das kollektive Bewusstsein seines Landes.

Ein Kinostart in Ungarn ist laut IMDb für 23. Oktober 2025 geplant.

1957 - ein Jahr der Stille

Während in Deutschland das Jahr 1956 hauptsächlich als ein Wendepunkt des Kalten Krieges wahrgenommen wird, ist es für Ungarn tief in der nationalen Identität verankert - als traumatisches Ereignis mit Tausenden von Verhaftungen, zahlreichen Hinrichtungen und einer massiven Fluchtbewegung ins Ausland, darunter auch nach Deutschland. Genau in diese Atmosphäre führt Nemes’ Film hinein und stellt Fragen nach Identität, Schuld und Verantwortung, die über die Grenzen Ungarns hinausreichen.

Wie schon in seinem Meisterwerk „Son of Saul“, erzählt Nemes die Geschichte erneut aus der Perspektive eines Kindes. Statt der direkten Gewalt wie im Holocaust rückt diesmal die subtilere, psychologische Wirkung politischer Unterdrückung in den Vordergrund. Der junge Protagonist entdeckt dabei, dass die Vergangenheit seiner Mutter eng mit der gescheiterten Revolution und ihren Nachwirkungen verwoben ist.

Historische Tiefe und europäische Brücke

Für deutsche Zuschauer ist „Orphan“ besonders relevant, weil der Film universelle Themen wie Erinnerungskultur und die Verarbeitung kollektiver Traumata behandelt - Themen, die auch für Deutschland von großer Bedeutung sind. Nemes’ Film bietet damit eine Gelegenheit, die eigene Vergangenheit im Kontext eines Nachbarlandes neu zu reflektieren und besser zu verstehen.

Die Produktion des Films ist zudem ein europäisches Gemeinschaftswerk: Ungarn, Deutschland, Frankreich und Großbritannien arbeiteten an der Produktion zusammen, was die Bedeutung dieser gemeinsamen historischen Auseinandersetzung unterstreicht.

Die unverwechselbare Filmsprache Nemes’

Nemes’ filmische Handschrift ist unverkennbar: lange, intensive Einstellungen, emotionale Bildsprache und eine beklemmende Atmosphäre, die die Zuschauer tief berührt und nachhaltig prägt. Wie schon in seinen früheren Werken, so zeichnet sich auch „Orphan“ durch einen visuell eindringlichen Stil aus, der das historische Thema persönlich und unmittelbar erfahrbar macht.

Der Film entstand im Rahmen einer zehnwöchigen Drehzeit im Sommer 2024 in Budapest. Nemes scheut sich nicht davor, komplexe historische und menschliche Fragen direkt zu stellen - und trifft damit den Nerv einer Zeit, in der kollektive Erinnerung und politische Verantwortung neu verhandelt werden.

Kultureller Austausch und Verständigung

„Orphan“ ist nicht nur yet-another historischer Film: Es ist eine Möglichkeit für deutsche Zuschauer, die komplizierte und oft vernachlässigte Geschichte eines europäischen Nachbarn aus einer zutiefst menschlichen Perspektive kennenzulernen. Persönliche Schicksale stehen im Mittelpunkt, während die politische Realität subtil, aber unübersehbar Einfluss auf die privaten Leben nimmt.

Der Film wird demnächst auf der Streaming-Plattform MUBI verfügbar sein, wodurch diese wichtige historische Reflexion einem breiten, internationalen Publikum zugänglich gemacht wird.

Gerade für deutsche Zuschauer bietet sich mit Nemes’ neuem Film die Chance, tiefere Einblicke in ein zentrales Kapitel europäischer Nachkriegsgeschichte zu gewinnen - und dabei einen besonderen Beitrag zur kulturellen Verständigung zwischen Deutschland und Ungarn zu erleben.

Im schwachen Licht eines Projektors tanzen Staubkörner durch eine verlassene Bar in Budapest. Die Wände bröckeln, doch die Erinnerungen klammern sich wie Efeu fest. Bence Sipos’ Dokumentarfilm Romokból („Aus den Ruinen“) betritt diese vergessenen Räume und erweckt eine Subkultur zu neuem Leben, die einst hell brannte: die Ruinenkneipen des VII. Bezirks.

Die Ruinenkneipe als Archiv

Romokból ist der erste Film, der die Geschichte der legendären Budapester romkocsma erzählt - bohemische Bars, entstanden aus den Überresten des alten jüdischen Viertels. Der Ort ist kein Zufall. Der VII. Bezirk, historisch als Erzsébetváros bekannt, war vor dem Zweiten Weltkrieg Heimat einer lebendigen jüdischen Gemeinde. Während des Holocaust wurde das Viertel zum Budapester Ghetto - Mauern wurden errichtet, Familien eingesperrt, Geschichte zerschlagen. Nach dem Krieg verfielen diese Gebäude über Jahrzehnte des Kommunismus langsam.

Wenn Sipos’ Kamera über rissige Fliesen und stille Innenhöfe gleitet, begegnen wir Menschen, die aus buchstäblichen Ruinen eine Szene erschufen. Von der Entstehung von Szimpla Kert im Jahr 2002 bis zur inzwischen geschlossenen Mumus ist der Film zugleich Liebesbrief und Klagelied. Die Ruinenkneipen entstanden als kulturelle Wiederverwendung - ein Widerstand gegen Abriss und Auslöschung, eine basisdemokratische Rückeroberung von Raum.

Durch Interviews und Archivmaterial entfaltet sich der Film in drei Akten: die heroische Anfangszeit, der gegenwärtige Zustand und eine ungewisse Zukunft. Sipos und Co-Autor Attila Csizmadia strukturieren ihre Reise als eine Serie von kulcsjelenetek - „Schlüsselszenen“ - in denen sie im wahrsten Sinne des Wortes vergessene Bars aufschließen, um Wellen der Erinnerung auszulösen. Es ist leise, emotionale Archäologie.

Erinnerung, Mythos und Gentrifizierung

Die Ruinenkneipen wurden aus Chaos und Kreativität geboren - Kunstorte, anarchistische Zentren, Gemeinschaftsexperimente. Doch der Film scheut nicht vor ihrer Kommerzialisierung zurück. Was einst als Rebellion begann, steht heute auf TripAdvisor. Touristen strömen zu diesen „authentischen Ruinen“, während Einheimische die verlorene Seele betrauern.

Diese Verschiebung spiegelt Budapest selbst - gefangen zwischen Erinnerung und Moderne, Nostalgie und Neonlicht. Der Film deutet tiefere Spannungen an: Gebäude, die einst Teil des Kriegs-Ghettos waren, sind heute Stationen für Kneipentouren. Die Geister sind nie weit entfernt. Sipos deutet dies an, ohne zu moralisieren, und überlässt es dem Zuschauer, mit dem Zwiespalt zu leben.

Zwischen den Zeilen der Geschichte

Romokból steht in der Tradition des ungarischen reflektierenden Kinos - von Jancsós choreografierter Ideologiekritik bis zu Forgács’ elegischen Heimvideos. Der Film schreit nicht. Er hört zu. Er lässt leere Räume sprechen. Er behandelt einen Barhocker wie ein Artefakt und eine Jukebox wie ein Reliquiar.

Die Ruinenkneipe ist nicht nur ein Trend; sie ist ein Gleichnis. Für Widerstandskraft. Für Vergessen. Für das Erinnern - trotz allem.

Und wie die besten Dokumentarfilme erinnert uns Romokból daran, dass Geschichte nicht immer in Lehrbüchern steht. Manchmal lebt sie in einem Innenhof, unter einer Lichterkette, und wartet darauf, dass jemand auf Play drückt.